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martes, 16 de enero de 2018

RESEÑA: MOLLY´S GAME

Molly´s Game.
Dirigida por Aaron Sorkin.
Guión de Aaron Sorkin.
Nota 8.5.

Esta película es el estreno como director del conocido guionista Aaron Sorkin. Por ello, debo hablar no solo de la “película en sí”, sino en cómo ha sido llevada a cabo.
Se ha considerado por la crítica como la primera película que de verdad trata de póker, pero va mucho más allá.
Basada en un hecho real, Molly´s Game, nos cuenta la historia de una mujer entrenada (desde niña) para llegar a lo más alto, para destacar, empujada por la exigencia de su padre y la presión de verse minimizada ante sus dos hermanos. Esa extraordinaria mujer creció teniendo que demostrar lo que valía, una y otra vez (tal vez por un complejo creado, a medias por ella misma y por los que la rodeaban).
Con una pequeña oportunidad, y tras verse traicionada por algunas personas (que no os cuento) Molly consigue el título de “La Princesa del Póker” Una mujer en un mundo de hombres, que fue encumbrada a lo más alto y también arrastrada por los suelos (en más de un sentido). Molly se caracterizó por su lealtad y su discreción ya que se niega a dar los nombres de las personas que acudían a sus partidas de póker, pero a pesar de ello y empujada por las circunstancias escribe un libro (libro que sirve de base a esta película) donde relata su vida cambiando los nombres de todos los que aparecen en él (o casi) El guionista nos trae constantemente a colación el libro de “El Crisol” como reflejo de la actitud de la protagonista. (Lectura que por otro lado os recomiendo) Y hasta aquí puedo leer (Ruperta).

Una actuación brillante por parte de Jessica Chastain, que le ha procurado la nominación al globo de oro por esta película (aunque finalmente no se lo llevó) hecho que no me sorprende puesto que se está revelando como una de las mejores actrices de Hollywood en estos momentos. (Os recomiendo ver “El caso Sloane” o “La noche más Oscura”) Y una interpretación, más que respetable, de Idris Elba, que encarnará el contrapunto de esa vida llena de excesos que le presenta Molly cuando va a pedirle que la represente en un procedimiento judicial.
Si sois (como yo) fans de este guionista no os sorprenderá, ni el método ni la forma de contar la historia. Es un relato ágil, a pesar de tener largos y cínicos diálogos (tan característicos de sus películas: “Algunos hombres buenos, La Red Social (Facebook), Moneyball y Steve Jobs o de sus series: Estudio 60, Newsroom, El Ala Oeste de la Casa Blanca…) Siendo, en este sentido, destacable el gran “monólogo/discurso” de Idris (llegado el momento).
Las largas secuencias grabadas en un solo plano en el que salen y entran, constantemente, personajes, le dan una rapidez a la cámara que parece haber aprendido de su amigo, el director  Thomas Schlamme. A pesar (o gracias a ellos) de los saltos temporales en el desarrollo de la historia, en ningún momento se vuelve farragosa, y es fácil e interesante de seguir. Tal vez algo moralista en algún momento, pero nada imperdonable.
Mención especial para Kevin Costner (sí, así como le leéis) que no siendo un actor que pueda decir que me “embelese” reconozco que en una escena concreta de la película hizo una gran interpretación.

Si tenéis la oportunidad yo no me la perdería.

martes, 18 de abril de 2017

Reseña: "Your name", de Makoto Shinkai

Había ganas de ver “Your name”, el anime más taquillero de la historia en Japón. Una película que ha conseguido arrebatarle ese puesto a “El viaje de Chihiro” de Miyazaki merece como poco una oportunidad, aunque en mi caso tenía ciertas dudas. La única película que había visto de su director, Makoto Shinkai, era “Viaje a Agartha”, y aunque había leído maravillas de ella y la pintaban como una producción a la altura del estudio Ghibli, para mí fue una completa decepción. Aun así, las críticas y los números de “Your name” eran tan apabullantes que sentía una enrome curiosidad por ella. Y puedo decir, ahora que la he visto, que entiendo su enorme éxito. Os cuento por qué.

Dos adolescentes, un chico y una chica, se intercambian los cuerpos y, de vez en cuando y sin que ellos elijan cuándo sucede, pasan un día entero viviendo la vida del otro. La premisa parece de lo más tonta, suena a comedia chorra para adolescentes, pero “Your name” es la prueba de que no importa tanto si una premisa es buena u original: lo importante es si sabes sacarle partido, y Makoto Shinkai lo hace sobradamente. A través del intercambio de cuerpos nos va presentando a unos personajes con los que es imposible no empatizar, y no deja de resultar curioso que a veces los momentos que más información te dan de un personaje, su vida y sus relaciones, sean los momentos en que es el otro protagonista el que ocupa su cuerpo.

Los primeros compases de la película son frescos y se pasan volando. Mientras el espectador va conociendo la situación, son los momentos cómicos los que marcan un ritmo muy bien llevado que va in crescendo. Pero el gran acierto del director japonés es que, cuando puede parecer que la película se va a quedar en eso, en una serie de situaciones cómicas sin más relevancia, cuando el espectador aún no lo sabe pero empieza a necesitar algo más, entonces Shinkai gira el volante y se lleva la historia por otra carretera. Y lo importante es que esto sucede de forma natural, sin romper la unidad de la cinta.

Una revelación importante da paso a la segunda parte de la historia, en la que aparece el drama y empieza una auténtica aventura. Los protagonistas tendrán que enmendar una situación aparentemente imposible. El espectador se implica emocionalmente porque el director lo ha preparado todo para que así sea, y aunque los momentos cómicos no desaparecen, ahora pasan a un segundo plano y se encargan de rebajar la tensión y mantener la unidad de la película. No diré nada más de la trama, ni siquiera si el final es satisfactorio o no. En vez de eso, y a modo de resumen, destacaré lo mejor de la historia: personajes carismáticos (incluidos los secundarios), una trama en la que el espectador se implica emocionalmente, cambios y giros bien llevados que aparecen justo cuando son necesarios y un ritmo perfectamente medido que sostiene la película estupendamente.

A la animación no se le pueden sacar pegas. Mientras los gigantes Disney y Dreamworks le han pegado una patada en el culo a la animación tradicional y parecen no querer acordarse ya de que un día existió, en Japón parece que encontramos un foco de resistencia que, esperemos, aguante muchos años aún. Pues llamadme clásico, antiguo o ignorante (o las tres cosas), pero a mí la animación tradicional me transmite una vida y una calidez que no encuentro en el mismo grado en la animación digital. Centrándonos en la película que nos ocupa, decir que los dos ambientes en que viven los protagonistas, el rural y el urbano, están perfectamente retratados y consiguen transmitir sensaciones claramente diferenciadas. Dominan los tonos pastel, en los fondos casi se aprecia el trabajo hecho a mano y, al igual que en las películas del estudio Ghibli, no hay grandes alardes, pero todo resulta precioso, funciona y deja que la animación esté al servicio de la historia y no al revés. A veces menos es más. Quizá el diseño de personajes, por poner alguna pega, resulta algo estándar y no se diferencia mucho de lo visto en mil series y películas de anime, pero el carisma de los personajes pronto convierte esto en una cuestión sin importancia.


No quiero acabar esta reseña sin hablar de la música que, como todo lo demás, funciona a la perfección alternando temas pop en los momentos más ligeros con otras piezas que resaltan la tensión, el drama y la emoción cuando es necesario.

En definitiva, “Your name” es una película llena de aciertos y de buenas decisiones, quizá la obra con la que Makoto Shinkai, después de muchos años y de varias películas luchando por erigirse como el nuevo referente de la animación japonesa post Miyazaki, al fin se ha ganado el puesto. Si tenéis ocasión de verla (yo vivo en una gran capital y solo la han puesto durante unos días en dos cines, tirón de orejas para la distribuidora), no os la perdáis. Su tremendo éxito, en mi opinión, es más que merecido.

jueves, 26 de enero de 2017

Reseña de Tigre y Dragón, la espada del destino.

Cuando me enteré de que Netflix iba a atreverse con una secuela de Tigre y Dragón, la película con la que el director Ang Lee deslumbró al mundo en el año 2000, me llevé una gran alegría. No es que el fuerte de Netflix sea la producción de películas, pero llevan un tiempo intentando corregir eso y pensé que esta producción podía suponer un fuerte golpe sobre la mesa por parte del gigante de las series en streaming. Además, iban a contar con una de las actrices de la cinta original, así que había motivo para la esperanza. ¿Cómo ha quedado la cosa? ¿Es una secuela digna de la original? Mi veredicto es un claro NO, pero voy a intentar argumentar mi opinión sin hacer leña del árbol caído y resaltando también las cosas positivas de la película, que las hay.


La espada del destino retoma personajes de la cinta original (uno de ellos aparece y a otros solo se los menciona) para contarnos una historia que tiene lugar quince años después. La actriz Michelle Yeoh se mete de nuevo en la piel de Yu Shu Lien, un personaje que en esta ocasión debe proteger la espada celestial que un día perteneció a su amado Li Mu Bai del villano de turno que intenta hacerse con ella para proclamarse líder de las artes marciales. En medio de todo esto aparece un personaje de su pasado, el interpretado por Donnie Yen, el fichaje de peso en esta producción que viene a llenar el vacío de Chow Yun-Fat sin conseguirlo.

La historia, como veis, tiene muy poca chicha, y si al menos estuviera apoyada por personajes magnéticos, buenos diálogos o imágenes y músicas sugerentes, como ocurría en la película de Ang Lee, se le podría perdonar. Pero eso no sucede: los personajes resultan poco interesantes porque desde el principio sabes de sobra qué lugar ocupan en la historia y, sobre todo, cómo van a acabar. Solo Michelle Yeoh y Donnie Yen consiguen irradiar algo de magnetismo, y es más por su porte y su carisma que porque tengan o hagan un buen papel. El resto de actores tienen papeles de relleno, lo cual es especialmente doloroso en el caso de la pareja joven, ya que hay un intento de darles protagonismo que no cuaja.

En esta película hay acción por un tubo. No pasan 10 minutos sin que veamos una pelea, lo cual es un acierto teniendo en cuenta que ni la historia, ni los personajes ni la dirección nos van a retener frente al televisor. Y todo hay que decirlo: las escenas de acción sí están a un buen nivel, con momentos brillantes. ¿Pero era Tigre y Dragón simplemente una película de artes marciales? No, ni de lejos: una persona que se acercara a ella sin otra motivación que la de ver peleas de chinos, se llevaría una gran decepción al enfrentarse a su ritmo pausado, sus silencios y sus sutilezas.

Podemos decir, para no alargarnos más de lo necesario, que Tigre y Dragón, la espada del destino, es una película de artes marciales entretenida, pero no esperéis encontrar ni un ápice de la poesía visual y sonora que había en la cinta original; solo la pelea sobre el lago helado tiene destellos de ese estilo, pero duran muy poco. Netflix ha sido valiente, y hay cosas muy dignas en esta película para tratarse de una producción que se salta los cines y la distribución en formato físico para llegar directamente a televisores, móviles y tabletas en streaming, pero es también una oportunidad perdida para hacer una película que podría haber supuesto un paso adelante en este tipo de producciones, hasta ahora algo flojas.

Una lástima.


domingo, 22 de enero de 2017

RESEÑA: "LA LA LAND" (LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS)



Os traigo aires más hollywoodenses esta vez.

En esta ocasión la casualidad me llevó a ver LA CIUDAD DE LAS ESTRELLAS (director y guionista: Damien Chazelle) Si algo define esta película es que, sobre todo visualmente, es preciosa. Todo acompaña, los actores Emma Stone Ryan Gosling (que ya compartían sus devaneos amorosos en (Crazy, stupid, love) tienen una gran química, que ya estaba comprobada y talento, tanto para el baile como para cantar. ¿Tiene algún pero? Sí, alguno, (alguno importante para mí) "pero" nada es perfecto en la vida (algo que deja muy patente la película) Las dos canciones principales de la cinta son muy bonitas y un acierto, (en toda regla) que te ayuda a entender los sentimientos no verbalizados de los personajes (No me sorprende que se llevara el globo de oro a la mejor canción originalos dejo enlace a la canción). Las coreografías muy conseguidas (si eres fan de la danza, como yo, lo disfrutarás mucho) Como muestra os diré que la primera escena (no os preocupéis no es spoiler) incluso renuncia a la búsqueda de la perfección de la imagen, ignorando la "ultra necesaria HD". Es una coreografía a la antigua usanza (cámara en mano) muchos bailarines, al aire libre, todos al mismo tiempo en la toma (se nota que hay un trabajo serio de coreo) y que pretende (y consigue) arrastrarnos a esos clásicos musicales que hace mucho que no se contemplan como opción en este Hollywood lleno de ciencia ficción, sangre y remake que huelen a naftalina. Incluso el vestuario está muy cuidado y es "el clásico" (por colores y vaporosidad) y aun así se agradece.

Os dejo el trailer:


La Ciudad de las Estrellas (La La Land) es la primera película en la historia de los Globos de Oro (74 años de historia) que se lleva todos los premios a los que fue nominada. Es decir 7 premios:

Mejor Película Comedia/Musical.
Mejor Guión.
Mejor Director.
Mejor Actor Comedia/Musical.
Mejor Actriz Comedia/Musical.
Mejor Canción Original.
Mejor Banda Sonora.

Y para acabar, os dejo un vídeo muy interesante. Es una entrevista tanto a los actores como al director (no es demasiado largo) en el que nos cuentan un poco los entresijos de la película, lo que se pretendía con ella y el esfuerzo extra que necesitó. Contiene imágenes que (pueden considerarse spoilers) tal vez no queráis ver antes que la película, así que recomiendo echarle un ojo después de verla.



Curiosidad: Ryan aprendió a tocar el piano para poder grabar escenas largas en las que pudiera verse que era él quien tocaba.

Mi opinión: Muy recomendable si te gustan los musicales y la música.

lunes, 16 de enero de 2017

RESEÑA: TRAIN TO BUSAN

La película que quiero reseñar hoy también nos trae aires de Asia. TRAIN TO BUSAN, una de las revelación del año 2016, no solo en Corea del Sur sino también en el panorama internacional, cuyo reflejo se ve en el Festival de Sitges en el cual se llevó el premio a Mejor Director y Mejores Efectos Especiales.



"Train to Busan", (del director Yeon Sang-ho) es una película de temática zombie (aquí habrá muchos que se vayan a leer otra cosa bajo el pretexto de "¡otra de zombies!" pero si aguantáis un poco más os diré por qué esta merece la pena) Nos encontramos a un padre absorbido por su trabajo y su éxito, que le ha costado su matrimonio y podría decirse que su familia (típico estereotipo de padre coreano) y aunque conserva la custodia de su hija, (debido a que está forrado) no le presta la menor atención. La niña le pide, el día de su cumpleaños, que la lleve a ver a su madre, que vive en Busan (ciudad costera de Corea del Sur) Hasta ahí todo muy normal, pero cuando consiguen abordar el tren, algo extraño sucede. Una mujer herida consigue colarse en el mismo tren con destino a Busan. La mujer tiene una marca de mordedura en la pierna y repite sin cesar, "miane" (lo siento, en coreano) desde ahí toda la película versará sobre cómo sobrevivir, pero no solo eso sino que nos plantea si está bien "sobrevivir a cualquier precio o no" y las consecuencias que nuestros actos pueden tener. 
Otra de las cosas esenciales de esta película es su ambiente. El 90% de la película transcurre dentro de un tren, lo cual la hace aún más agobiante, y más desesperada. Ninguno de los personajes es plano y la película refleja, con maestría, el carácter de cada uno de ellos: el egoísta, el cobarde, el manipulador, el/los "borrego/s", el héroe, el obligado por las circunstancias, todo ello rodeado de unos zombies que no los querría yo de compañeros de viaje.

Como os comentaba, la película es una gozada visual, y consigue mantener la tensión desde el inicio, hasta tal punto que casi acabas comiéndote las uñas (las tuyas y las de tu acompañante)

Curiosidades de esta película (para aquellos que no estén acostumbrados al cine de surcoreano serán más curiosas que para los que estamos habituadas a ellas)

Sus protagonistas Goon Yoo (uno de los actores más reconocidos. Os dejo aquí lo más conocido de su filmografía aunque faltan muchísimas más.) Además pronto lo volveremos a tener en la taquilla española con otra película (de tirada internacional) "El imperio de las Sombras" The Age of Shadows (cuyo director es uno de mis favoritos y que ojalá este nominada este año a los Oscar) que pinta muy bien,  y  MaDong-seok (que comenzó siendo el entrenador personal de Goon Yoo, entre otros muchos actores famosos no solo asiáticos y ahora es uno de los actores más versátiles y queridos en Corea del Sur) Su personaje, es el que más me gustó de esta película. Os dejo algunas de sus numerosas contribuciones a esta industria.

Su director (que también es el guionista de la película): YeonSang-ho (os dejo otro enlace menos extenso pero en español :p)

Su éxito en Sitges. Donde se llevó el premio a Mejor Director y Mejores Efectos Especiales.

La actriz que hace de hija (los niños surcoreanos están hechos de otra pasta a la hora de actuar) es digna de ser seguida sobre todo por las últimas escenas de la película.


La calidad de los efectos especiales que nada tiene que envidiar a las superproducciones de Hollywood.

Esta película incluso se permite darte un pequeño respiro en una escena, intercalando un pequeño chascarrillo que viene bien para aligerar la tensión, en el que se nota la tremenda química entre los actores Goon Yoo Y Ma Dong- Seok y te dibuja una sonrisa. Para que veáis el buen rollo que tenían os dejo un vídeo del rodaje.

Para ir acabando os dejo el TRAILER (en versión original subtitulado que es como deberíais ver la película si podéis ;p)



Pues solo me queda decir que personalmente os la recomiendo (y añadir que yo no soy una fan de los zombies, confiad en mí, sin duda merece la pena verla, aún no siendo aficionado a esta temática). Yo tuve la suerte de poder verla en VOSE en el cine, pocas ocasiones se dan, y quería compartirla con vosotros)

Puntuación. Muy recomendable.

domingo, 20 de noviembre de 2016

Reseña: "De tal padre, tal hijo" de Hirokazu Koreeda



Título: Soshite chichi ni naru (Like Father, Like Son)
Año: 2013

Duración: 120 min.
País: Japón
Director: Hirokazu Koreeda
Guión: Hirokazu Koreeda
Premios:
2013: Festival de Cannes: Premio del Jurado
2013: Festival de San Sebastián: Premio del Público
Calificación: Muy buena. 8 sobre 10


Ambientada en un Japón moderno pero en el que aún persisten fuertes tradiciones, es esta una película que difícilmente os dejará indiferentes.

Un error médico lleva a dos familias a entablar una relación tan poco deseada como ausente de discrepancias. El director acentúa la diferencia entre los mundos de las dos familias para servir de fondo y remarcar el dilema al que se han de enfrentar y que no desvelaré aquí.

Aunque es la historia de seis personajes, dos parejas y dos hijos, el eje se centra en uno de los padres, Ryota, arquitecto y hombre exigente dedicado casi por entero a su trabajo, que es el personaje que sufre un verdadero arco de transformación a lo largo de la trama y en cuyo comportamiento se centra el director para plantearnos las cuestiones que encierra la película.

Historia de emociones contada con suavidad, a veces con lentitud y muy centrada en detalles e imágenes. A mi me ha gustado mucho la casi constante visión de los rostros de los personajes. Aunque hay escenas de exterior se utilizan bastante los espacios cerrados donde los actores destacan sobre el fondo. Como espectador occidental me resultaron extraños algunos comportamientos ajustados a la forma de ser y vivir nipona. Se observa la persistencia de las tradiciones que entre otras cosas lleva a mostrar un papel subalterno en la mujer, más evidente en una pareja que en la otra. También observé alguna falta de expresividad en los momentos clave de la película que de la misma manera hay que achacar a la diferencia de costumbres. 

En esta película Koreeda, más que centrarse en los dos niños y aun sin que estos pierdan peso, se orienta al debate emocional y a los interrogantes a los que se enfrentan los padres, especialmente en el caso de Ryota, protagonista indiscutible de la película, y su esposa Midori.

No son pocas las cuestiones que plantea el filme. La importancia de los vínculos de sangre, la definición de lo que es, puede o debería ser un buen padre, el tiempo y su uso como bien más preciado o el sinsentido de muchas expectativas paternas son algunos de los elementos que se pueden analizar tras ver la película.

Pero será mejor que la veáis. Una excelente película que hace pensar y que se presta a un buen debate. 

viernes, 18 de noviembre de 2016

Reseña: Falcó, de Pérez-Reverte

Hacía mucho tiempo que no me acercaba a la obra de Reverte. Aunque he seguido las aventuras del capitán Alatriste (que también han tenido más de un capítulo de los que ponen a prueba la fidelidad del lector), me aparté de las novelas del autor hace ya años, pues no conectaba con los temas y los marcos que elegía para sus obras y estaba algo cansado de leer historias que, en mi opinión, se iban deshinchando conforme avanzaban. Sin embargo, la novela de la que hoy os hablo, la última que Reverte ha lanzado (que no es plan de que lleguen las navidades y no tener novela nueva en las estanterías), me dio buena espina y decidí hacerme con ella. Y puedo decir que me ha dado exactamente lo que esperaba.

Quizá me llamó la atención su acertada portada, sugerente como pocas. Quizá fue la sinopsis, toda una declaración de intenciones. El lugar y el momento histórico elegidos por el autor (España en otoño de 1936) eran también atrayentes, aunque en manos de Reverte corrían el riesgo de convertirse en marco de una clase de historia llena de valoraciones personales. Pero, aunque algo hay, al final creo que no son más que unas pinceladas que están al servicio de la aventura: una aventura de espías clásica a más no poder que repite esquemas y arquetipos del género, sí, pero que lo hace sin ruborizarse, apostando claramente por ello.

En la novela, Falcó, agente del Servicio de Nacional de Inteligencia y Operaciones franquista, deberá infiltrarse en zona roja para realizar una peligrosa misión que podría cambiar el curso de la historia de España. Reverte deja claro que la trama es ficticia, aunque esté documentada con hechos reales, y personalmente creo que ha hecho un gran trabajo encajando una clásica historia de espías en la España de la guerra civil. Y es que las páginas del libro rebosan conflicto, tensión y paranoia; el lector tiene la constante sensación de que el más mínimo contratiempo puede significar una bala en el pecho de los protagonistas (eso si tienen suerte) o una larga y angustiosa estancia en una sala de interrogatorios del bando contrario. Y en este sentido, el de los bandos, he disfrutado mucho con las descripciones que Reverte hace de unos y otros, muy en su línea: repartiendo hostias a derechas y a izquierdas, denunciando las vilezas y las mezquindades de todos y dejando claro también que hubo héroes en un conflicto sin sentido que desgarró nuestro país hasta lo indecible.

Reverte ha creado un personaje seductor: un hombre que divide a la gente en valientes y cobardes, que no se decanta por ningún bando, que sabe que puede morir en cualquier momento y por eso se mueve entre la fatalidad y el deseo de exprimir la vida. Un personaje que tiene sus propios valores; para algunos un hijoputa, para otros un héroe, y para muchos el fruto de una época y de una historia que demandaba la existencia ese tipo de personas o directamente las creaba. Falcó es un personaje que volverá, de eso estoy seguro, y si sus aventuras tienen buena acogida, acabará dándose un paseo por las pantallas de cine o de televisión, no me cabe duda.

En general, la novela se lee con mucha facilidad. No llega a las trescientas páginas y me parece además que es la longitud justa para una historia de este tipo. Hubo un momento hacia el final de la novela en que tuve la sensación de que volvía el Reverte del que yo llevaba tiempo huyendo, pues noté que estaba construyendo un final que no iba a estar a la altura. Afortunadamente, lo que sucede es que la historia no termina cuando se supone que ha de hacerlo, y es en ese momento en que se alarga cuando el autor construye unas escenas que, sin ser tampoco para tirar cohetes, al menos sí proporcionan la sensación de haber leído una novela que no se derrumba al final, dejando en general buen sabor de boca.

Concluyendo: su historia no es la repanocha, pero las virtudes por las que apuesta Reverte con Falcó son otras. Aventura, espionaje, tensión, intriga, política, el retrato de un país en su momento más complicado y, por encima de todo, un personaje atrayente que encaja a la perfección con el género. Si te atrae la propuesta como me atraía a mí, estoy seguro de que disfrutarás con la novela.

Autor: Arturo Pérez-Reverte
Título: Falcó
Editorial: Alfaguara
Idioma: Castellano
Año de publicación: 2016
Valoración: Buen entretenimiento

viernes, 4 de noviembre de 2016

Reseña: El castillo de las estrellas

Llevaba tiempo queriendo leer esta obra que hoy os traigo al blog. Fascinado por su estilo y por su ambientación, adquirí el primer álbum hace ya algún tiempo; aunque, sabiendo que la historia quedaba inconclusa y que terminaba en el segundo volumen, esperé pacientemente a la salida de este para leer el primero. No quería quedarme a medias, prefería disfrutarla del tirón. Ahora por fin lo he hecho y puedo decir que ha sido un acierto.

El castillo de las estrellas, de Alex Alice, es un maravilloso mosaico formado por múltiples influencias. Desde los libros de Julio Verne hasta la animación de Miyazaki pasando por el romanticismo alemán, el autor ha juntado en una obra muy personal todo aquello que le fascina, y lo ha hecho con tanto amor ―y se nota― que el resultado es fantástico. Pero dejadme que os ponga un poco en situación.

Portadas de los dos volúmenes que componen la historia en su edición española

Durante el siglo XIX, intrépidos exploradores
alteraron sin parar los límites de lo desconocido.
Ávidos de nuevos descubrimientos,
dirigieron sus miradas hacia las estrellas.

La acción arranca en 1869, una época en que la ciencia avanza acelerada hacia el progreso. El autor nos pone en medio de un contexto histórico concreto: Otto Von Bismarck quiere acabar con la fragmentación del territorio alemán y unificar todos los reinos, ducados y principados en un único "Reich". Y aquí, mezclada con esas pinceladas de realidad, es donde aparece la magia, lo fantástico de esta obra: el “éter”, una energía que, según creen algunos de los personajes, es capaz de trasladarnos a miles de kilómetros en solo unos segundos. Hay, por supuesto, quien busca esta energía con buenas intenciones, por la mera aventura del descubrimiento tan propia de esta época, y quien desea descubrirla con otras intenciones más oscuras.

Naves voladoras, globos, tecnología, antiguas leyendas como la de Perceval (o Parsifal) y los caballeros de la mesa redonda, castillos y reyes se dan cita en este cómic tan especial en el que al final priman claramente don conceptos: fantasía y aventura. De las buenas.

El autor ha escrito un guion emocionante y ágil. La historia avanza sin atropellos ni parones, y aunque a los personajes puede faltarles un puntito de carisma (esto es muy sutil y personal, pero tengo la sensación de que en este cómic hay personajes que han sido creados para hacer ese papel de seres entrañables y a mí no me lo han llegado a parecer del todo), al final el resultado es sobresaliente.

Por citar un pequeño fallo, diré que en ocasiones las secuencias no están del todo bien resueltas y que vemos pequeños saltos en la acción que se hacen un poco extraños para el lector habitual de cómics. Por ejemplo: en un balcón, un personaje corre hacia una barandilla dispuesto a saltar para caer dentro de una nave que viene a rescatarlo y así escapar de los villanos. Sin embargo, vemos en una viñeta al personaje corriendo hacia el balcón y en la siguiente al personaje cayendo ya dentro de la nave, y nos quedamos con la extraña sensación de que nos ha faltado ese instante de vuelo en que el personaje queda suspendido en el aire a medio camino entre el éxito y la derrota. A ese tipo de cosas me refiero. Pasan muy de vez en cuando, pero suponen una pequeña mancha en una narración casi impecable.

La influencia de la animación japonesa, y en concreto del genio Miyazaki y sus películas con el estudio Ghibli, es innegable. Se nota tanto en la estructura de la historia como en el plantel de personajes y en sus motivaciones, por no hablar de la ambientación y el gusto por las máquinas voladoras. Aquí todo respira un aire muy de “Nausicaa” y de “Laputa, un castillo en el cielo”, y esa es, a mi parecer, una de las grandes bazas de “El castillo de las estrellas”.

Por último, hay que hablar del dibujo, aunque no hará falta que me extienda mucho con este tema. Es toda una delicia, así de claro, mezcla de influencia japonesa con la tradición del cómic francobelga. Aquí también se aprecia claramente la fascinación del autor por Hayao Miyazaki: en los tonos pastel, en el diseño de personajes (el chambelán no puede ser más propio del director japonés) y en el gusto con el que recrea los impresionantes castillos y las fantásticas naves voladoras que aparecen en la historia. Tiene composiciones de página verdaderamente originales, artísticas, dinámicas, y siempre muy bellas. Tan pronto te encuentras una página llena de pequeñas viñetas como pasas la página y ves un inmenso dibujo que ocupa casi dos, consiguiendo así que el ojo no se acostumbre a nada y que todo resulte siempre fresco y dinámico. No hay mucho más que decir al respecto: creo que las imágenes que os dejo acompañando a esta reseña hablan por sí solas.

Concluyendo:

“El castillo de las estrellas”, de Alex Alice, es una obra que no os debéis perder a poco que os guste el cómic, y muy especialmente si adoráis las historias retro-futuristas, los relatos de Julio Verne y las primeras películas del estudio Ghibli. Hay aventura, descubrimiento y magia, y todo ello presentado con un dibujo bello hasta decir basta. Por último, decir que, aunque la historia concluye en el segundo volumen, el autor deja abierta la puerta a más historias en este mundo y con estos personajes. Si van a ser tan buenas como esta, ojalá no tarden mucho en llegar. Os dejo con una frase que aparece en las promociones de esta historia y que resume muy bien el espíritu de la misma:

No sabían que era imposible, así que lo hicieron.

¡Hasta la próxima!

Título: El castillo de las estrellas
Autor: Alex Alice
Editorial: Norma editorial
Precio: 18€ cada volumen
Año de publicación: 2015 - 2016
Valoración: Muy recomendable



viernes, 14 de octubre de 2016

Reseña: Astérix y el papiro del César

La verdad, no me ha costado pensar cuál quería que fuese el primer cómic en aparecer por este blog. Son muchas las opciones, pero las aventuras de Astérix ocupan un lugar privilegiado en mi estantería y, aunque el cómic del que vamos a hablar ya lleva en el mercado un año aproximadamente, creo resulta perfecto para inaugurar la sección dedicada al noveno arte en este blog. ¿Me acompañáis a descubrir las bondades de un álbum titulado: Astérix y el papiro del César?


Estamos en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y siempre al invasor...

Con esta mítica presentación, como siempre, comienza la nueva aventura de nuestros amigos Astérix y Obélix. Y es que las cosas no cambian aunque pasen los años, y ni siquiera aunque sean otras manos las encargadas de escribir y dibujar la colección; porque el álbum que nos ocupa es ya el segundo creado por Jean-Yves Ferry y Didier Conrad, que cogieron el testigo dejado por los inmensos Goscinny y Uderzo, padres de la criatura (recordemos que Goscinny falleció en 1977 y que Uderzo continuó publicando álbumes en solitario hasta que, en 2013, pasó el testigo a los nuevos autores, a quienes supervisa). Y si Ferry y Conrad demostraron estar a la altura en su primer trabajo, Astérix y los pictos, creo que en esta ocasión van un paso más allá. Pero, antes de explicar esto, dejadme que os cuente un poco de qué va esta aventura.

Julio César está a punto de publicar un libro que pasará a la historia: sus famosos Comentarios a la guerra de las Galias (sí, ese libro que taaan bien conocen los que estudian latín). Sin embargo su editor, Bonus Promoplús, no está del todo contento con la versión final del texto, en concreto con el capítulo en que César habla del irreductible poblado galo de nuestros amigos, que supone la única mancha en una campaña militar perfecta. El editor tiene claro qué es lo mejor: suprimir ese capítulo. Si Astérix, Obélix y los suyos no aparecen en los textos, en unos años nadie se acordará de ellos y la historia recordará a César como el hombre que conquistó TODA la Galia. El emperador, seducido por esa idea, accede y ordena destruir el capítulo, pero la casualidad querrá que el texto en cuestión acabe precisamente en la aldea gala, donde nuestros amigos, indignados, emprenderán una lucha para que la historia no olvide su valentía y su resistencia.


Con esta interesante premisa tenemos una aventura divertidísima en la que los personajes se cuestionan las ventajas e inconvenientes de la tradición oral y la escrita, en la que una predicción de horóscopo dará a Obélix más de un dolor de cabeza, donde un entrañable personaje pondrá en duda el liderazgo del bueno de Abraracúrcix y en la que veremos al druida Panorámix como nunca lo habíamos visto.

Como decía al principio, Ferry y Conrad se han currado un álbum absolutamente genial. Astérix y los pictos, su primer trabajo en la colección, era una buena historia que no llegaba a brillar pero que dejaba claro que estos autores sabían lo que se hacían. Pero esta nueva aventura, en mi opinión, está a un nivel altísimo, tanto que me atrevería a decir que puede codearse con los mejores álbumes de Goscinny y Uderzo. Puede sonar atrevido, pero soy de los que opina que el mitificar a unos autores (por mucho que lo merezcan) no quita para que valoremos justamente el trabajo de otros nuevos.


La historia de Jean-Yves Ferry, como ya he dicho, es ocurrente, está llena de humor y nos presenta a los personajes en situaciones bien conocidas que son seña de identidad de la colección y también en otras nuevas que dejan claro que este autor quiere dejar su huella. El argumento me parece especialmente ingenioso, y a todos aquellos que amamos los libros y que tenemos alguna idea de cómo funciona el mundo editorial nos hará mucha gracia ver al mismísimo Julio César doblegándose a la dictadura de su editor, por citar solamente una de las muchas situaciones en que el cómic parodia la realidad del mundo editorial. También resulta llamativo ver a los personajes preocupados por cómo pasarán a la historia, especialmente sabiendo lo que sabemos hoy sobre esos personajes (y me refiero sobre todo a Julio César). Y a aquellos a los que les preocupe que el estilo de este nuevo autor pueda romper mucho con el de los álbumes clásicos, les diré que no es así en absoluto: su estilo encaja perfectamente con el de Goscinny y el espíritu de Astérix está intacto, y eso ya de por sí es toda una alegría.

En cuanto al dibujo de Conrad, qué decir: no echaremos de menos a Uderzo, ¿puede haber piropo mayor? El artista ha adaptado su estilo para imitar a la perfección los lápices de Uderzo, y las imágenes extraídas del álbum que acompañan a esta reseña  pueden dar fe de ello. Todo resulta reconocible, todo está como tiene que estar; ¿y por qué iba a cambiar, si funcionaba de maravilla? Además, la imagen de Astérix y Obélix forma parte ya de la cultura popular, así que me parece todo un acierto que el autor haya optado por no cambiar nada. Quizá en algunos momentos sus dibujos y las composiciones de sus viñetas y páginas sean algo más dinámicas que las de su predecesor (lo cual no es malo en absoluto), pero eso es algo natural que va con los tiempos y tan sutil que no rompe con lo anterior.


No quisiera terminar mi reseña sin mencionar una pequeña escena: una que tiene lugar justo en la última página, tras el ineludible banquete con que el poblado galo (para desgracia de los pobres jabalíes) celebra siempre el éxito de sus aventuras. Es complicado explicarla y hacer ver lo especial que resulta sin desvelar detalles, pero se trata de una genialidad que enlaza el tema de la tradición oral con la propia existencia de la colección y en la que los nuevos autores hacen un precioso homenaje a Goscinny y Uderzo. Prestadle especial atención.

Y hasta aquí la primera reseña de cómic del blog. No me extiendo más. ¿Te gustan Astérix y Obélix?; El papiro del César es lectura obligada. ¿No te gustan?; pfff, ¿en serio? ¿Nunca has leído un álbum de Astérix?; pues, teniendo en cuenta que el orden de lectura da un poco igual, si empiezas con El papiro del César seguro que aciertas.

¡Hasta la próxima reseña, por Tutatis!


RESEÑA: "BARI, LA PRINCESA ABANDONADA" de Hwang Sok-yong.


Bari, la princesa abandonada” de Hwang Sok-yong tiene como base la leyenda coreana con el mismo nombre. La leyenda cuenta la historia de una princesa, la séptima hija de un Rey obsesionado por tener un hijo varón. Bari, es abandonada por sus padres, pero tras ser rescatada se embarca en un viaje por todo el mundo para conseguir el agua de la vida. Tras encontrarla se convierte en una Diosa que ayudará a las almas en el tránsito de este mundo al más allá.

En la novela de Hwang Sok-yong la protagonista comparte con la princesa tanto el nombre como su posición en la familia. Es la séptima hija de un funcionario público de Corea del Norte, abandonada en el bosque al nacer, pero rescatada por su abuela, que será su guía tanto aquí como en el mundo de los espíritus, porque Bari, también es, al igual que su abuela, una chamán y puede comunicarse con los espíritus, incluso verlos así como conocer lo que piensan los animales, porque estos a veces tienen más alma que algunos seres humanos. Así se definiría a la “heroína” de esta obra.
Tras una gran cantidad de peripecias, Bari, se verá separada de su familia, experimentará la perdida de sus seres queridos y tendrá (como la princesa con la que comparte el nombre) que recorrer el ancho mundo en  busca de “su agua de vida”.
La novela nos habla (y hace mella) en diferentes temas sociales, muy especialmente en la inmigración (siempre forzada) la religión y la igualdad. Todos los personajes del libro comparten un rasgo común, son supervivientes de su propia aventura y desventura. A lo largo de las páginas del libro nos encontraremos con personajes que influirán en la vida de la protagonista, aquellos que la ayudan y aquellos a los que tendrá que sobrevivir. El libro adereza la historia con toques “fantásticos” y “espirituales” que rompen un poco con el género migratorio pero que tan íntimamente se relacionan con la cultura coreana, donde lo físico y lo incorpóreo vas unidos.
La novela es una reflexión sobre cómo las diferencias no deberían separarnos sino unirnos, porque todos venimos, si no del mismo sitio, de lugares comunes, pretende hacernos ver la necesidad de la ayuda mutua y que sin ella es muy difícil sobrevivir, ya sea en una indeseable migración (como le ocurre a Bari en su travesía a Londres) o en el día a día. Por último (coincidiendo también con la última idea expuesta en el libro) nos habla de la necesidad del perdón, porque no es bueno viajar con un barco lleno de rencores.

Os lo recomiendo, es una lectura sencilla, comprometida y un buen acercamiento a la literatura surcoreana.